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Descubra un flujo de trabajo en Fusion 360 para crear renders convincentes para sus diseños, además de las mejores prácticas que pueden aplicarse a cualquier programa o situación de renderizado.
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El renderizado es una herramienta clave en CAD. Ofrece la oportunidad de visualizar y comunicar la intención del diseño a diferentes audiencias y partes interesadas. Un buen renderizado ofrece una ventana a la forma en que los diseñadores e ingenieros conciben sus diseños en el mundo real. No se puede subestimar el valor de los renders, y es útil entender su uso efectivo. Pensar en los renders como una herramienta de comunicación es acertado, pero también limitado.
El renderizado es una herramienta de visualización que puede inspirar, persuadir y atraer a los espectadores, dándoles una idea del tipo de experiencias y emociones que un diseño podría suscitar en sus usuarios.
Cada imagen renderizada puede contar muchos detalles sobre la funcionalidad, el aspecto, la escala, el uso e incluso el valor potencial de un diseño. Las personas sienten una atracción natural por las señales visuales y pueden absorber en segundos una gran cantidad de información en términos de formas, colores, texturas, posición, escala, etc.
Y lo que es más importante, los espectadores establecen conexiones conscientes e inconscientes entre estos elementos en fracciones de segundo, lo que puede generar reacciones muy fuertes y emocionales. J Mays, destacado diseñador industrial de Ford, VW, Audi y Whirlpool, habla de cómo los consumidores deciden si les gusta un producto en menos de tres segundos, con sólo echarle un vistazo.
Esta rápida reacción se aplica a productos que van desde bolígrafos hasta automóviles. Por eso un render es una oportunidad importante para comunicar la historia visual de un diseño.
Una representación eficaz requiere preparación, conocimientos técnicos y, lo que es más importante, un mensaje claro. Cuando todos estos elementos se combinan, pueden convertir la imagen digital de un objeto en una imagen atractiva que comunica, inspira y conmueve.
Hay cuatro categorías generales que definen cómo debe realizarse un renderizado:
El material de este artículo se centra en la configuración técnica, la intención y la composición de los renders. La configuración técnica se basa en el uso de Fusion 360. El entorno de renderizado de Fusion 360 es eficaz y fácil de usar, con una funcionalidad similar a la de otras herramientas de renderizado populares como Keyshot.
La preparación del modelo no se cubre directamente aquí, ya que se relaciona más con los flujos de trabajo de modelado y las consideraciones de fabricación. Para aprender más sobre las técnicas de modelado en Fusion 360 y temas relacionados, ver mis clases anteriores de AU. Los principios para la intención y la composición son relevantes para muchas composiciones visuales tales como renders, pinturas, ilustraciones y fotografías.
A continuación se describen los ajustes incluidos en el entorno de renderizado de Fusion 360. Estas descripciones serán útiles para navegar y entender cómo crear renders. La experimentación constante y el ajuste de estos ajustes conducirán a resultados superiores y a resultados más atractivos y fotorrealistas.
La frase «la historia es el rey» es ampliamente conocida en la industria del cine, y también se aplica a la fotografía y al renderizado. El elemento más importante de un renderizado es el mensaje que comunica. Un renderizado sin un mensaje claro se convierte en una simple visualización de un modelo CAD en un escenario relativamente realista, como ilustra la linterna de la figura 1.
El mensaje del renderizado depende de la aplicación, y no tiene por qué ser un gran mensaje con la esperanza de cambiar el mundo. Algunos renders pueden ser muy técnicos, explicando lo más claramente posible los detalles de un diseño.
En este caso, la historia puede ser tan simple como demostrar cómo un conjunto de piezas mecánicas van juntas, o cómo un objeto encajará en un espacio determinado, como el plato giratorio de la figura 2.
Otros pueden ser aspiracionales, haciendo que el público imagine cómo utilizaría un diseño en escenarios específicos, o para insinuar cómo un artefacto puede ser empoderador y agradable de usar. Otros pueden ser emocionales, trasladando el producto a un nivel abstracto en el que los detalles no son tan importantes como la personalidad general del diseño, como se ve en el primer plano de la figura 3.
El tipo de historia que se quiere contar acabará definiendo elementos como la posición de la cámara, los materiales elegidos para el diseño, el color y la profundidad del fondo, la intensidad y el ángulo de la luz, y la posición del producto dentro del encuadre, por nombrar algunos elementos.
Además de definir la historia del producto que se quiere contar, es importante pensar en quién es el público. Un renderizado que funciona bien en una reunión con un equipo de fabricación puede no funcionar bien en un post promocional en las redes sociales. Los renders técnicos deben ser más descriptivos y centrarse en detalles concretos del diseño, mientras que los aspiracionales pueden ser más dramáticos y utilizar efectos que aporten emociones fuertes y dinamismo.
Una buena composición visual es el resultado de la combinación de múltiples elementos de forma reflexiva que se alinean con el mensaje que se quiere comunicar. A continuación se exponen una serie de conceptos útiles para crear imágenes convincentes y visualmente atractivas.
Uno de los métodos más populares y sencillos para organizar una imagen es utilizar una guía de cuadrícula de tres columnas por tres filas, que crea dos líneas horizontales y dos verticales. Las intersecciones de estas líneas son los lugares ideales para colocar los protagonistas de una representación. Los elementos situados en estos lugares parecen equilibrados de forma natural dentro del lienzo. Nuestros ojos se dirigen intuitivamente a estas cuatro zonas cuando miramos una imagen, como se ve en el diseño de la mochila de las figuras 4 y 5.
Otra forma de encuadrar el lienzo es imaginar un eje diagonal que vaya de una esquina de la escena a la opuesta (de la izquierda superior a la derecha inferior y de la derecha superior a la izquierda inferior). Alinear los elementos a lo largo de estos ejes crea un fuerte flujo, aprovechando el espacio del lienzo, como se observa en la batería de la figura 6. Los ejes diagonales también son útiles para moverse entre el primer plano y el fondo, desarrollando una sensación de jerarquía y narrativa.
Disponer los elementos de forma simétrica puede ser una herramienta eficaz para crear dramatismo, crear una sensación de estabilidad o llevar la mirada a un punto focal central, como se ilustra en el taburete que combina patrones de Voronoi en la figura 7.
La simetría debe utilizarse de forma precisa y deliberada. Las imágenes que parecen «casi» simétricas no crean un buen efecto en los espectadores. Pueden crear tensión visual o dar la impresión de que la imagen se ha montado sin mucha atención. La conclusión de esta técnica es que hay que mostrar la intención: hacer una escena claramente simétrica o claramente asimétrica. Todo lo que esté en medio parece confuso y descuidado.
Toda buena historia tiene personajes principales. En la mayoría de los casos sólo hay un personaje principal, y a veces puede haber dos o tres. Todo lo que sea más que eso puede empezar a ser confuso. Si varios personajes de una historia tienen el mismo nivel de importancia, la historia se vuelve confusa. El mismo principio se aplica a una representación: tiene que haber un punto focal, una razón principal por la que el espectador mire la imagen, como se ve en la figura 8.
A veces, una representación puede tener un par de puntos focales, pero si hay demasiados elementos que deban recibir atención, en realidad se neutralizarán entre sí y ninguno de ellos destacará, sobre todo en una historia que vive en una sola imagen. Los puntos focales se consiguen utilizando una serie de atributos como la iluminación (la parte más brillante de la imagen), la posición (ocupar uno de los cuatro puntos de las reglas de los tercios), la posición (primer plano en lugar del fondo) y la profundidad de campo (ser la zona más nítida de la imagen). La determinación de cuántos y qué elementos se aplicarán a un renderizado depende de cada caso particular y de su objetivo.
Este concepto está estrechamente relacionado con el punto focal. Las imágenes demasiado recargadas resultan difíciles de leer y sus elementos clave se pierden. Esto se aplica no sólo a las partes de un determinado diseño, sino también a otros elementos que forman parte del entorno de la escena. Aunque un fondo rico puede proporcionar contexto y ambiente alrededor de un diseño, debe complementar al protagonista y no competir contra él. Dejar mucho espacio negativo ayuda a mantener la atención en los elementos principales del diseño. Con pocos componentes en escena, puede ser más fácil contar una historia clara.
Alex Lobos es un diseñador industrial y educador centrado en el diseño sostenible, el apego emocional y las aplicaciones CAD. Es director de posgrado y profesor de Diseño Industrial en el Instituto Tecnológico de Rochester, Nueva York. En Autodesk, Alex es Fellow in-residence en Previsión Estratégica, Expert Elite para Fusion 360, miembro del Consejo Asesor de Autodesk University, ponente destacado de la UA y galardonado con el Premio de Educación de Fusion 360.
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